Прованс всегда был источником вдохновения для художников. Регион как бы отзывается на искусство, превращая виноградники в музеи под открытым небом, где винные подвалы становятся художественными галереями, а виноградники – выставочными площадками. Сочетание искусства и вина стимулирует рождение множества новых креативных проектов.
Но прежде чем начать, я хочу с вами поделиться ссылкой на мой гид по Провансу
Этот подробный 180-страничный онлайн-путеводитель, доступный для загрузки в формате PDF, предлагает увлекательное путешествие по Провансу. Откройте для себя очарование Прованса, самого теплого и ароматного региона Франции, где бирюзовые воды Средиземного моря встречаются с холмами сельской местности, создавая ни с чем не сравнимый пейзаж. Эти две части одного региона с блестящими пляжами и очаровательными деревнями на вершинах холмов — настоящий пир для чувств в летние месяцы. Сельская местность Прованса — это полотно ярких красок и ароматов, где пение цикад не умолкает до позднего вечера.
Все подробности по ссылке
Величайшие имена современного искусства и архитектуры создали райское место для Патрика МакКиллена, ирландского деятеля в сфере недвижимости. На 220 гектарах Château La Coste, половина которых занята виноградниками, можно увидеть работы Жана-Мишеля Вильмота, Жана Нувеля, Тадао Андо, Ренцо Пьяно, Фрэнка Гери, Ричарда Роджерса и Оскара Нимейера. Это сказочный мир, наполненный многочисленными монументальными произведениями таких художников, как Луиза Буржуа (это ее скрюченный паук великолепно парит над озером), Прун Нури, Кенго Кума, Поль Матисс, Софи Каль, Гугги, Ричард Серра и других. А Дэмиен Херст в в прошлом сезоне представил на территории поместья более 90 картин и скульптур, некоторые из которых ранее не выставлялись. Британский художник даже оформил иллюстрации для ограниченной серии вин.
А среди известных ресторанов на территории — Louison, сезонное гастрономическое место от шеф-повара Жеральда Пасседата, обладателя звезды Мишлен. Кроме того, здесь есть новый отель и спа-салон Villa La Coste. Удивительное место, которое нельзя пропустить.
Дальше расскажу о некоторых самых интересных для меня скульптур в парке.
Louise Bourgeois — Crouching Spider (Крадущийся паук), 2003
Скульптура паука «Crouching Spider», созданная в 2003 году и установленная в 2010-м в замке La Coste, выполнена из бронзы и стали. Тело, закрученное и словно напряжённое, напоминает живую плоть, тогда как тонкие стальные ноги придают образу лёгкость. Они удерживают массивное тело и создают впечатление, что скульптура парит над водой Тадао Андо. Эти противоположности объединяют в себе мотивы мужской силы и женской мягкости — темы, к которым художница вновь и вновь возвращалась. Сегодня Луиза Буржуа считается одной из самых значимых художниц XX века. Её трудно отнести к какому-то одному направлению: творчество Буржуа, основанное на психоаналитических идеях, наполнено образами монументальных пауков, «женщин-домов» и фаллических символов. В своих работах она исследовала место женщины в домашнем пространстве, а также зыбкую грань между мужским и женским. Пауки, поздно появившиеся в её творчестве, стали его характерной чертой. Они навеяны образом её матери, реставраторши гобеленов, и связаны с темой защиты: «Паук — это ода моей матери. Она была моей лучшей подругой. Пауки помогают и защищают нас, так же, как могла моя мать».
Hiroshi Sugimoto — Mathematical model 012. Поверхность вращения с постоянной отрицательной кривизной, 2010
В начале своей карьеры Хироси Сугимото работал антикваром в нью-йоркском Сохо. Сегодня он владеет впечатляющей коллекцией мебели, произведений искусства и старинных предметов. Эта страсть к антиквариату отражает его интерес к теме времени и истории — мотив, который проходит через всё его творчество. Всемирно известный благодаря своей фотографии, Сугимото использует объектив, чтобы исследовать течение времени и мимолётность жизни. Название его работы в Château La Coste отсылает к математической формуле, символизирующей экспоненциальную кривую и воплощающей абстрактное представление о бесконечности. Для создания этой скульптуры художник сотрудничал с инженерами, стремясь к максимально точному воплощению математической идеи. Вдохновением послужили гипсовые «стереометрические модели», изготовленные в Германии в конце XIX — начале XX века, которые Сугимото неоднократно фотографировал в разные периоды своей карьеры. В Château La Coste эта модель гармонично взаимодействует с геометрией архитектуры Тадао Андо: отполированная поверхность отражает воду бассейна и стеклянные фасады, создавая диалог формы, света и пространства.
Tony Berlant & Frank Gehry — The Marriage of New York and Athens (Брак Нью-Йорка и Афин), 1968-2019
«Брак Нью-Йорка и Афин» — это прежде всего произведение американского художника Тони Берланта: три архитектурные скульптуры, размещённые в стеклянных павильонах, созданных специально для La Coste архитектором Фрэнком Гери. Скульптуры были созданы в 1966–1968 годах и вдохновлены сочетанием современной американской эстетики небоскрёбов и античной гармонии греческих храмов.
Тони Берлант, родившийся в 1941 году, жил и работал в Санта-Монике, Калифорния. Его многогранное творчество объединяет фотографию, скульптуру, живопись и, прежде всего, коллаж. Архитектор Фрэнк Гери — близкий друг Берланта. На протяжении многих лет три скульптуры из нержавеющей стали и стеклопластика находились в мастерской Гери, оказывая влияние на его архитектурный язык и становясь источником вдохновения для целого ряда проектов. Открыв свою практику в Лос-Анджелесе в 1962 году, Гери всегда подчеркивал, что его замыслы рождаются из исторического контекста эпохи и в диалоге с калифорнийскими художниками. Именно ему было поручено создать пространство в Château La Coste, которое стало бы постоянным домом для работ его друга — на месте, которое они выбрали вместе с Берлантом. Гери спроектировал трёхчастную структуру, в основании которой расположены большие витрины для скульптур Берланта. Лестница и две пешеходные галереи из местного камня позволяют посетителям рассматривать произведения вблизи.
Эта работа воплощает не только профессиональное сотрудничество, но прежде всего дружбу двух художников. Сам Берлант говорит о ней как о «чуде, большем, чем исполнение мечты». А Гери определяет эти скульптуры как «артефакты будущего».
Frank Gehry — Pavillon de Musique (Музыкальный павильон), 2008
Американо-канадский архитектор Фрэнк Гери, родившийся в 1929 году, считается одним из самых влиятельных архитекторов современности. Он получил мировую известность благодаря своей радикально индивидуальной архитектуре. Среди его наиболее знаковых проектов — музей Гуггенхайма в Бильбао, концертный зал Уолта Диснея в Лос-Анджелесе, Фонд Луи Вюиттона в Париже и, совсем недавно, башня Luma в Арле. Продолжая традиции архитектурного деконструктивизма, Гери создаёт здания, которые сами по себе становятся скульптурами и выражают энергию современности. Проект Музыкального павильона был разработан в сотрудничестве с лондонской галереей Serpentine Gallery и впервые представлен там в 2008 году, после чего нашёл постоянное место в Château La Coste. Архитектор задумал эту постройку как пространство встреч, общения и отдыха — своеобразную крытую улицу, укрывающую как от солнца, так и от дождя. Конструкция сочетает массивные деревянные элементы и сложную сеть подвесных стеклянных панелей, благодаря чему возникает особая акустика, делающая павильон идеальным местом для проведения музыкальных событий. В Château La Coste Гери расположил павильон рядом с холмом, что позволило создать террасы под открытым небом, напоминающие римский амфитеатр, с которых открывается панорамный вид на сооружение. Стоя в центре Музыкального павильона, можно шёпотом произнести слова, хлопнуть в ладоши или запеть — и проверить удивительную акустику этого пространства.
Prune Nourry — Mater Earth, 2023
Родившаяся в Париже в 1985 году, Прун Нурри — художница, чьи проекты поднимают важные этические вопросы и часто рождаются в сотрудничестве с генетиками, антропологами и другими учёными. Одним из примеров является её проект Terracotta Daughters — терракотовая армия девочек, осмысляющая проблему селекции по полу в Китае и, шире, дисбаланс между мужчинами и женщинами в разных уголках мира. Её практика разнообразна и междисциплинарна, а итогом нередко становятся масштабные произведения in situ. Идея Mater Earth зародилась много лет назад, когда Нурри сфотографировала беременную подругу, погружённую в ванну с молоком, из которого были видны лишь отдельные части тела. Этот почти сакральный, девственный образ вдохновил художницу на создание монументальной скульптуры, основанной на универсальной иконографии материнства. Темы возрождения и защиты окружающей среды проходят через всё произведение, отсылая к истокам человечества и мифам о сотворении мира. В центре скульптуры находится вход, ведущий внутрь утробы. Её стены обработаны так, чтобы создать органическую атмосферу, напоминающую о венах или корнях деревьев. Единственные источники света — проём у входа и «пуповина» из цельного стекла с пузырьками, что создаёт почти подводное ощущение. Вдохновлённая природой, работа выполнена из экологичных и устойчивых материалов. Несколько месяцев ушло на консультации с мастерами разных профессий: использовались кирпичи, высушенные на солнце, известковый раствор для покрытия и зола после лесных пожаров для гидроизоляции.
Tom Shannon — Drop (Капля), 2009
Американский художник и изобретатель Том Шэннон, родившийся в 1947 году, использует свои технические и научные знания для создания произведений искусства. Работая с понятиями силы, свойств, пропорций и равновесия, он создаёт работы, варьирующиеся от инсталляций до живописи. В последние годы Шэннон обращается к масштабным уличным скульптурам, которые ведут себя так, словно лишены веса. Внутренние механизмы его произведений включают различные инженерные элементы — такие как шарикоподшипники и поворотные соединения, — которые позволяют скульптурам вращаться, наклоняться, подниматься, опускаться и плавно скользить, прежде чем вернуться в состояние равновесия. Те же принципы лежат в основе движения Drop. Эта четырёхметровая скульптура из полированной нержавеющей стали получила своё название за впечатление текучести и лёгкости, которое возникает, когда она приводится в движение. Её колебания кажутся загадочными благодаря почти невидимой опоре и смещённой траектории вращения. Скульптура словно пребывает в состоянии невесомости, не подчиняясь законам земного притяжения. Местоположение работы имело решающее значение для художника: Шэннон выбрал природный ландшафт, где зеркальная поверхность «Капли» отражает виноградники и два раскидистых дуба, посаженные по обе стороны. Примечание: произведение крайне хрупкое. Не подниматься и не скользить вниз. Активировать осторожно, без усилия, чтобы вызвать вращение и колебательные движения.
Tadao Ando — Pavillon «Four Cubes to Contemplate our Environment» (Четыре куба для размышления об окружающей среде), 2008-2011
Этот павильон из сосны, покрытой смолой, создан Тадао Андо в 2011 году для размещения инсталляции Four Cubes to Contemplate Our Environment. Первоначально проект был задуман в 2008 году в рамках Японского фестиваля в Кеннеди-центре, посвящённого японскому искусству и технологиям. Приближаясь к сооружению, мы вновь узнаём характерные приёмы Андо: строгая лаконичность линий, обрамляющих окружающий пейзаж, контраст между чёрным деревом и живой природой, а также особая траектория движения внутри здания, которая вынуждает посетителя несколько раз обойти центральное пространство, прежде чем войти. Внутри инсталляция приглашает к сенсорному и интеллектуальному размышлению о планете и об остроте экологических проблем. В трёх кубах представлены темы нехватки воды, загрязнения воздуха CO₂ и перепроизводства отходов. Четвёртый куб пуст, на его поверхности выбита надпись «FUTURE?» — одновременно и предупреждение, и приглашение к воображению: что может заполнить это пространство в будущем? Число четыре, проходящее красной нитью через весь павильон, выбрано не случайно: в азиатских традициях оно символизирует смерть и несчастье. «Я хочу, чтобы люди, глядя на эти кубы, думали о том, что они сами могут сделать», — говорит Тадао Андо.
Слева:
Tracey Emin — Self-Portrait: Cat Inside a Barrel (Автопортрет: Кот в бочке), 2013
Примечание: загляните в центральное отверстие на лицевой стороне бочки.
Разносторонняя художница, родившаяся в Англии в 1963 году, Трейси Эмин выражает себя через самые разные формы искусства: рисунок, видео, скульптуру, вышивку, книги, живопись, неоновые инсталляции и фотографию. Чаще всего она обращается к собственному опыту, используя события своей жизни, чтобы откровенно, порой болезненно и даже грубо, говорить о ранах, унижениях и победах, создавая интимную автобиографическую реальность. В Château La Coste посетители подходят к её работе по узкой тропе, ведущей к стальной платформе, навеянной индустриальными шахтными конструкциями, на которых работал её отец-киприот. С этой платформы открывается широкая, почти романтическая панорама долины Люберон. Это сооружение стало для Эмин новым шагом — сочетанием моста и смотровой башни. В центре платформы находится винная бочка, найденная на территории поместья и просверленная множеством отверстий. Внутри, едва заметный, скрыт фарфоровый кот — символ сокровенной, скрытой стороны личности художницы, малоизвестной публике и критикам. «Проект Château La Coste был основан на идее автопортрета: не того, как я выгляжу, а того, что я чувствую», — говорит Трейси Эмин.
Справа:
Liam Gillick — Multiplied Resistance Screened (Множенное сопротивление: за экраном), 2010
Лиам Гиллик родился в Англии в 1964 году. Его работы, отличающиеся постконцептуальным языком, включают скульптуры, инсталляции и произведения, основанные на тексте. Художник относится к движению «реляционного искусства», которое предполагает активное участие зрителя: объект становится произведением искусства только благодаря его взаимодействию с ним. Гиллик создаёт конструкции из окрашенного алюминия и плексигласа, которые приглашают зрителя «затеряться» между реальностью и вымыслом и стать частью самого произведения. Он предпочитает простые формы и играет с пространством — городским, природным или социальным, — цветами и графикой, черпая вдохновение из минимализма и оп-арта. Multiplied Resistance Screened балансирует на грани архитектуры и скульптуры. Эта интерактивная работа, намеренно выделяющаяся в ландшафте, предлагает посетителям двигать панели и перемещаться внутри пространства, создавая своё собственное произведение через движение. Игривый, интерактивный характер работы позволяет изменять восприятие окружающего ландшафта через наложение форм и слоёв. В то же время работа выступает как критика общества наблюдения: слово screened (экранированный, ограждённый) отсылает к всепроникающим экранам в нашей повседневной жизни и постоянному контролю современных обществ над личностью.
Tadao Ando — La Chapelle, 2011
На самой высокой точке поместья находится историческая часовня, некогда посвящённая Святому Жилю, точная функция которой до сих пор остаётся неизвестной: место медитации для местных жителей или остановка для паломников, следующих в Сантьяго-де-Компостела? Когда Тадао Андо впервые посетил Château La Coste, здание находилось в руинах, и архитектора привлекла идея вдохнуть в него новую жизнь. Фирменные бетонные стены Андо скрывают саму часовню от посторонних взглядов и позволяют посетителям обойти её перед входом. Каркас из листового металла и стекла обрамляет реставрацию бывшей часовни, создавая диалог между историей и современностью, а также эффект отражения в проходе между каменными стенами и стеклянной оболочкой. Хотя пространство напрямую связано с католической традицией, оно имеет универсальное значение, приглашая всех желающих к размышлению, медитации и успокоению. После закрытия двери в помещении оживает несколько источников естественного света: маленькие бойницы в задней стене отражают солнечный свет на алтарь. Этот мягкий, рассеянный свет также присутствует вокруг дверного проёма и на потолке. Архитектуру дополняет внешнее оформление: площадка для обмолота зерна с булыжной мостовой (calade), остатки хозяйственных построек часовни и эспланада La Grande Croix Rouge.
Примечание: закройте дверь, чтобы насладиться игрой естественного света.
Jean-Michel Othoniel — La Grande Croix Rouge, 2007-2008
Родившийся в Сент-Этьене в 1964 году, Жан-Мишель Отоньель создал многогранный художественный мир, охватывающий рисунок, скульптуру, инсталляции и фотографию. Сначала он исследовал материалы с обратимыми свойствами, такие как сера и воск, а с 1993 года его основным материалом стал стекло. Сегодня его работы приобретают архитектурное измерение и устанавливаются в садах и исторических местах по всему миру. La Grande Croix Rouge выполнена из муранского стекла — материала, ставшего фирменным для художника, — и интегрирована в пространство, созданное Тадао Андо для Часовни (Капеллы). Гладкость цветного стекла в сочетании с простотой форм вступает в диалог с минималистичной архитектурой часовни. Для этой 4-метровой работы Отоньель выбрал насыщенный красный цвет и относительно лаконичную форму, составленную из бусин, напоминающих чётки. Ярко-красный цвет контрастирует с сдержанностью интервенций Андо, создавая гармоничное сочетание с природными оттенками окружающего ландшафта. Трансформированная природа стекла и выбранный цвет могут рассматриваться как отсылка к таинству Преобразования в католической традиции — вере в превращение крови Христа в вино во время мессы, что делает работу двойным символом сакрального пространства в винограднике. Также она может отсылать к католической обрядности, где стекло и красный цвет издавна являются важными символами.
Kengo Kuma — Komorebi, 2018
Родившийся в Йокогаме в 1954 году, Кэнго Кума — японский архитектор, работы которого характеризуются многослойностью материалов, эстетикой, вдохновлённой традиционной японской культурой, и стремлением организовать пространство. «Суть моего подхода заключается в использовании природных материалов и создании воздушных, светлых пространств», — говорит архитектор. Его цель — опираться на японские традиции и переосмысливать их для XXI века, одновременно отдавая природе центральное место. Среди его проектов во Франции — FRAC в Марселе и Консерватория Дариуса Мийо в Экс-ан-Провансе (2013), а также Олимпийский стадион в Токио для Олимпийских игр 2020 года. Работа Кумы в Château La Coste наглядно демонстрирует его подход к пространству, игру с наложением слоёв и узоров, а также интерес к свету. Название Komorebi — японский термин, описывающий «солнечный свет, пробивающийся сквозь листья деревьев». Вся структура призвана подчёркивать игру света и тени, которая меняется на протяжении дня. Произведение выполнено из древесины ипе, твёрдой и долговечной породы из Бразилии. В конструкции использовано около 1,5 тонн нержавеющей стали, размещённой между деревянными плитами (около 12 тонн). Несмотря на внушительные размеры, Komorebi производит впечатление лёгкости и почти воздушного, хрупкого парения.
Richard Rogers — La Galerie, 2021
Родившийся во Флоренции в 1933 году, Ричард Роджерс, получивший британское гражданство, считается одним из ведущих представителей хай-тек-архитектуры. Опираясь на теории модернизма, он создавал проекты, в которых архитектура понималась как педагогика и структура, а также проявлялся его интерес к градостроительству. Среди самых известных работ — Центр Помпиду в Париже (совместно с Ренцо Пьяно), здание Lloyd’s в Лондоне и Европейский суд по правам человека в Страсбурге. Для Роджерса форма всегда подчиняется сути: конструктивные и функциональные элементы должны быть открыто видимы. Галерея воплощает этот характерный архитектурно-инженерный язык мастера: впечатляющий консольный вынос задуман как сборка отдельных частей, которые обычно скрывают. Здесь же можно рассмотреть их во всех деталях — например, стальные тяги, закреплённые в бетоне, удерживающие здание в равновесии. Очарованный видами с городских крыш, Роджерс переносит это чувство и сюда, предлагая необычную перспективу на природу и римский холм, обрамлённый, словно картина. Его страсть к цвету выражена в выборе сигнального оранжевого для труб — ещё одно подтверждение его стремления показать красоту функциональных элементов архитектуры.
Conrad Shawcross — Schism, 2020
Творчество британского художника Конрада Шоукросса исследует темы, находящиеся на границе геометрии, философии, физики и метафизики. В своих работах он нередко переосмысляет устаревшие теории или методологии, превращая их в структурированные механические конструкции. Его «машины» полны загадочности и парадоксов, однако формы Шоукросса часто вдохновлены силами природы и мира науки, такими как гравитация. Здесь девятнадцать тетраэдров соединены в сферу. Эта почти идеальная многогранная форма, более шести метров в высоту, словно вот-вот станет икосаэдром, но геометрия не сходится, и в её теле зияет глубокий разлом, будто разрывающий идеал на части. Для Шоукросса эта «несостоявшаяся геометрия» может служить метафорой общественных расколов и нашего стремления к порядку. Математическая точность конструкции создаёт напряжённое равновесие и рождает множество скульптурных линий. Благодаря монументальному масштабу зритель может физически войти внутрь, пройдя через трещины на поверхности. Оказавшись в этом разломе, открывается впечатляющий вид на территорию и руины на соседнем холме — точку притяжения для многих художников, работавших здесь.
Oscar Niemeyer — Auditorium, 2011-2022
Бразильский архитектор Оскар Нимейер является автором более чем 600 зданий по всему миру, среди которых — Дом культуры в Гавре, штаб-квартира Французской коммунистической партии в Париже и кафедральный собор Бразилиа. Его называют поэтом кривой: Нимейер предпочитал свободные, плавные и чувственные линии. Считающийся одним из мастеров архитектурного модернизма, он наделял свои проекты тонкостью и изяществом форм, что напрямую связано с его страстью к рисованию — занятию, приведшему его в архитектуру. Павильон Оскара Нимейера в Château La Coste, предназначенный для выставок и конференций, расположился рядом с работой его соотечественника Тунги, среди виноградников сорта Ролле. Его запятаеобразный объём разворачивается свободно и непринуждённо, подобно волне, эпицентром которой становится идеальный круг аудитории. Большие витражные окна и водная гладь создают игру отражений, усиливающих связь здания с природным окружением. Выбор места — с учётом извилистого пути, высоты постройки и её ориентации — ещё раз подчёркивает стремление к гармонии. «Если прямой угол разделяет и отгораживает, то я всегда любил кривые — они и есть сама суть окружающей природы».
Обязательно загляните в винный магазинчик, чтобы купить парочку бутылок вина в качестве сувенира.
Кстати вначале, когда вы будете вьезжать на территорию, вы увидите бетонные плиты, которые также являются произведением искусства.
Tadao Ando — Gate, 2011
В юности Тадао Андо обучался столярному делу, затем начал карьеру профессионального боксёра, а позже самостоятельно освоил архитектуру. Его стиль сочетает вдохновение традиционной японской культурой и утончённый модернизм, во многом сформированный под влиянием творчества Ле Корбюзье. Простота и минимализм Gate позволяют посетителям оценить характерные особенности бетонных стен Андо: идеально гладкую поверхность, прорезанную отверстиями, и намеренно оставленные следы опалубки. Размер блоков, из которых сложены стены, совпадает с размерами татами — традиционной японской меры, используемой в архитектуре. Если стены — самые элементарные элементы архитектуры, то для Андо они одновременно и самые значимые: «они обладают силой делить пространство, преображать место и создавать новые миры». В этой работе стены образуют входной портал, но архитектор превращает его не в утилитарную конструкцию, а в театральную инсталляцию, скрывающую и разделяющую пространство. Позади портал открывает путь, где архитектурная «хореография», продуманная Андо, заставляет нас следовать изгибам рельефа, прежде чем выйти к Художественному центру.
Château La Coste — это не просто винодельня, а пространство, где природа, современное искусство и архитектура образуют единый живой музей под открытым небом. Это место стоит посетить, чтобы одновременно насладиться красотой Прованса, открыть для себя выдающиеся произведения художников и архитекторов со всего мира и почувствовать вдохновляющее соединение вина и искусства.
А чтобы не потерять пост, сохрани его в Pinterest!
